艺术简介

　　初中海，字抱道，号一道、一道初、道公、予虹、斋号一道堂、弘堂、海墨斋等。1955年生于山东，一道北京画馆馆长、现为黄宾虹艺术研究会常务副会长、中国美术家协会会员、中国书法家协会会员、中国人民大学特聘教授、中国人民大学初中海山水书法工作室导师、全国名人书画艺术界联合会艺委会副主任委员、北京中国艺术家协会副会长。

　　理论著作出版：《一道论画》、《一道论焦墨》、《一道论焦墨要旨论略》、《大道。大雅。黄宾虹-宾虹之黑与新安之辣》、《一道论道初中海教学论稿》、《国之焦墨》、《海上虹影-黄宾虹上海三十年艺术活动之雪泥鸿爪》。

　　绘画专集出版：《一道焦墨山水》、《大道至简-一道山水》、《大道有形——一道焦墨山水》等等若干册。

　　书法专集出版；《初中海书法》、《初中海草书千字文》等若干册。

　　绘画与书法作品和理论文章先后在《美术》《美术观察》《中国画观察》《国画家》《收藏》《中国收藏》《中国书画报》《美术报》《书法导报》《书法报》《人民日报》《中国艺术报》《中国改革报》《中国信息报》《中国铁道报》《潍坊日报》《黄山日报》《秦皇岛日报晚报》等几十家专业媒体和主流杂志作专题发表，中央电视台、中央教育电视台、北京电视台、山东电视台等众多栏目多次予以专题采访报道。被中国画坛名家网、山东广播电视报及中国收藏家俱乐部联合评为二十一世纪最具收藏价值的中国百名杰出画家。

　　绘画作品：《太行秋韵》《雾锁太行》入选中国美协第二十次全国新人新作展，《万壑有声》获中国美协2007年全国中国画作品展最高奖，《池上无风有落晖》获中国美协2008年全国中国画作品展最高奖，2009年创作的巨幅山水画《华夏风骨图》为人民大会堂收藏，同年获中国国家画院主办的盛世丹青展三等奖。

　　书法作品入选中国书法家协会主办的第四界全国新人新作展及中国首届大字书法艺术展等。

　　展览情况：2005年在秦皇岛举办个人书法展，2011年元月在北京789红石广场举办个人山水作品展、2013年元月在全国政协礼堂举办个人山水作品展览，并在金色大厅举行研讨会。2013在山东潍坊会展中心举办个人山水书法作品展览、2013年在山东济南舜耕会展中心举办个人山水作品展览。2014年在中国人民大学数码大厅举办初中海山水书法工作室师生作品展览。2015年在北京艺仓空间美术馆举办个人焦墨山水展览、2015年在北京丹凤朝阳美术馆个人书法展览、2015年在北京收藏天下美术馆个人焦墨山水展览、2016年在798感叹号美术馆个人焦墨山水小品展览。2017年4月受邀星光大道评委，2017年5月受聘中央电视台国学频道顾问。

　　中国画，必须是中国精神的大写意

　　初中海

　　内容提要：第一，分析“中国画，必须是中国精神的大写意”主题提出的时代文化背景。第二，探讨当代画坛的现状及其形成原因。第三，关于中国画以及中国画的民族性的解读。第四，怎样欣赏中国画的笔墨美。第五，中国画，必须是中国精神的大写意。

　　今天，围绕着这个主题，我主要讲五个要点。

　　一，“中国画，必须是中国精神的大写意”主题提出的时代文化背景。

　　如今，全球经济一体化，而越是现代化、全球化的语境，“文化同质”的现象和情形越普遍越严重，人类与生俱来的诗情画意，随着铺天盖地的“机械化”“电子化”而越来越消解，对于当代美术创作的影响是绝对不能忽视的。

　　从当代美术创作的现状来看，是画家如云，风格多种多样，一派繁荣。但是对于这种景象从我个人来讲非常担忧，当代的美术创作基本上是拿来主义，因为从近几年来一些大型的美术展览可以看到，许多作品缺少思想性，许多画家在审美的趋向、绘画的语言、技术的手段等等方面都是雷同的。获奖者基本上是以超大幅的创作为主，有的就是讲拍照来代替写生，通过笔墨和宣纸这些中国化的材质，将照片放大，把图象转化为绘画，说工笔而不用笔，说写意而不会写。这些所谓的“中国画”过于图像化，而意向性、表象性远远不够。细细地品位起来，除了中国画的材料以外，无论是创作观念，艺术表现的语言，还是艺术创作的过程，其内在都缺少中国画的民族性，面对这样的美术创作现状，我想任何一个画家都非常地担忧和担心。

　　二、那么当代画坛为什么会形成这样的局面呢？

　　我归纳了四个方面的原因：

　　（1）首先是新水墨新国画的大行其道。从上个世纪的78年开始，恢复高考。到现在，60后70后80后一直到90后，考入美院学习中国绘画的学生们，接受的是学院里已经“西化”之后的中国画课程，就如同大工厂的生产流水线一样，大家不论个性如何，必须要学习素描画写生，学同样的课，画同样的画，结果学了四年，大家画出来的东西，美其名曰是新水墨新国画，实际上呢早已经偏离了中国画的本质核心，似中似西，非中非西。而这其中的60后或是70后，有许多人早已经出人头地了，他们的思想观念与绘画在社会上也影响了很多人。

　　（2）西方强势的经济带来了强势的文化，许多人对本民族的传统文化缺少了自信，对中国画的未来没有信心。

　　（3）是画家自身笔墨本位的问题，笔墨功力太差，通俗地讲就是毛笔应用的缺失，驾驭毛笔在中国绘画中的基本特质的应用的能力差了。为了掩盖这个一时半会难以弥补的缺陷，只好求救与一些“怪招”，所以就出现了一些所谓的“洋为中用，中西合壁”，视觉诡异的东西，就不难理解了。

　　（4）由于美术界现行体制的原因和资本元素的引导，好多画家们都忙于画主题画、参展画、市场画，唯独没有时间或者不想画真正的画。

　　三、关于中国画以及中国画的民族性的解读。

　　现在，有相当一部分的所谓的当代水墨虽然打着“中国画”的旗号，但实际上早已经偏离中国画的正轨，早已经丧失了中国画的灵魂，不过就是拿着传统的笔墨工具在中国的宣纸上画水彩画油画而已，说到底，与中国画是没有任何本质上的关系的。

　　中国画，有着自己的明显特征。中国画的特殊性，也就是中国画的民族性，它充分地体现在中国画的笔墨之中。黄宾虹先生在他的画学思想中有一句话，说的非常有力，非常响亮，非常地旗帜鲜明，他说，“国画民族性，非笔墨之中无所见”。

　　怎么理解黄宾虹先生的这句话呢？大家都知道，中国画和西洋绘画的造型观念与方法截然不同，西洋绘画把造型观念作为它最为核心的观念，它的艺术表现方法和表现的手段讲究的是色彩、明暗和透视。而中国画，特别是文人画则是把笔墨情趣和意境的传达视为绘画的精髓，它注重的是画家主观的意象表达，它写心，写意，写神，写韵，写趣，它的艺术表现方法和表现的手段必须要在笔墨的表现过程中获得心灵表达的自由。而这一切，与西画的色彩、明暗、透视无关；所以在这里，我特别强调中国画的表达一定是要通过笔墨的表现来完成的。

　　中国画的艺术魅力，是极其独特的，这种艺术的美不仅征服了与我们一衣带水的紧邻国家，同样也征服了欧美大陆的大艺术家。

　　下面，我和大家共同分享两个画坛上的真实故事。第一个故事发生在民国初期。民国时期二十年代，广东画坛有一个“岭南画派”，是由广东籍画家组成的一个地域性画派，创始人是高剑父、高奇峰和陈树人，是在当时大量涌进的西方艺术思潮的冲击下形成的一个画派，它的宗旨是“折衷中西，融合古今”，最根本的主张就是用西洋画改造中国画，但是因为他们三人都是留学日本学习西洋绘画的，所以他们在绘画实践中就是用日本画改造中国画，近代美术理论家俞剑华先生早年在他的文章中这样介绍道，“广东二高（高剑父、高奇峰）参用日本画法以画国画，一洗国画重笔墨骨法的原理，而用泼色，光怪陆离，色彩斑斓，遂以新派自命”，是很符合实际的。大概是在1921年至1928年期间，高剑父突然到上海拜访他的老朋友黄宾虹，说：我要再次到日本学习绘画，这次要学习很长时间的，黄宾虹一笑了之。可是仅仅不到一个月他又出现在黄宾虹的面前。黄宾虹询问其中的原因，高说：非常感慨啊。我到了日本，日本朋友问我再次来日本的原因，我说这次想用几年的时间好好学习日本的绘画。日本朋友非常惊讶，但是见我学习态度非常诚恳，就把他带到了他们的收藏密室，指着墙上挂着的中国绘画，说这是你们明代画家李流芳、査士标的绘画，我们就是向他们学习绘画的，虽然只是学到了一些东西，就已经取得了这样的成就，让你们大加称赏。你还是赶快回到国内吧，中国的文化中国的艺术中国的绘画是一个取之不尽用之不竭的艺术宝库，你回去好好学习一定会取得更大的成就。

　　第二个故事，东西方两位大师的“巅峰对决”。

　　1956年7月的一天，毕加索在他的别墅里，从来不穿上衣的他今天很破例地穿了件条子衬衫和很正式的长裤与皮鞋，这一切都是因为张大千的要来拜访。这一次代表着东西方艺术的两位绝顶的绘画大师的会晤，非常令人激动和回味。当时，毕加索抱出五本画册来，每册有三四十张。张大千打开画册，全是毕加索用毛笔画的中国水墨画，仿齐白石的花鸟鱼虫，张大千有点纳闷，毕加索笑了：“这是我仿贵国齐白石先生的作品，请张先生指正”。张大千仔细观看了一番，然后说：“毕加索先生所习中国画，构图新颖，而有拙趣，但是有一个很大的问题，就是不会使用中国的毛笔，笔力软弱，墨色没有变化”。

　　毕加索将用脚将椅子一勾，搬到张大千对面，坐下来专注的听起来。张大千说：中国的毛笔和西方的画笔不同。它刚柔互济，含水量丰富，曲折如意。善使用者运墨而五色具。墨之五色，乃焦、浓、重、淡、清。中国画黑白一分，自现阴阳明暗；干湿皆备，可显苍翠秀润；浓淡明辩，凹凸远近，高低上下，历历皆入人眼。可见要画好中国画，首要者就是要运好毛笔。以笔为主导，发挥墨的作用，才能如具五彩，表现出大自然的万千气象。这一番运笔用墨的道理，对毕加索来讲是闻所未闻。沉默片刻，毕加索提出：张先生，请你写几个中国字看看好吗？张大千提起毛笔写了“张大千”三个字。毕加索见了张大千的字，忽然激动起来：“我最不懂得，你们中国人为什么跑到巴黎学艺术！——在这个世界上谈艺术，第一是你们中国人有艺术；其次是日本，日本的艺术又源自你们中国；第三是非洲人有艺术。除此以外，白人根本没有艺术，不懂艺术”。他用手指指张大千写的字和那五本册页，说：“中国画真奇妙，齐先生画水中的鱼，没有一点颜色，一根线画水，却使人看到了江河，嗅到了水的清香。真是了不起的奇迹”。毕加索感伤的说：“中国的兰花墨竹，是我永远都画不成的”。张先生，“我感到你是一个真正的艺术家”。

　　张大千和徐悲鸿、刘海粟是同时代人，而徐悲鸿和刘海粟都主张引进西方绘画，通过西方绘画改造中国画。而张大千先去日本、后又到美国，他没有感到中国绘画的软弱，没有感到中国画的陈旧、没有感到中国画的落后，他也向西方人学习，并且，在从容中形成了张大千自己独特的面貌。张大千经常非常自豪，非常自豪地说，我就是靠手中的毛笔玩弄乾坤，为中国艺术在海外在世界打天下。

　　这两个事例，共同说明了一个道理，越是民族的，就越是世界的。

　　四、怎样欣赏中国画的笔墨美。

　　当代中国画的创作必须首先是民族的，然后才是世界的，笔墨永远是我们中国画的根本所在，我自己始终坚持笔墨就是我们中国画的本质与核心，无论时代怎么发展，如果我们背离了笔墨精神，中国画就带上了有引号的本质，就是，不是纯粹的中国画。

　　中国画的欣赏，不同于一幅西方油画的欣赏；具象的美感一目了然，而充满了内涵的中国画，不仅需要细细地品味，还需要具备一定的书法审美经验的能力。一幅好的中国画，就一定是笔精墨妙。

　　为什么呢？

　　因为真正的中国画是“写”出来的，而绝对不是“描”出来的。“写”是什么意思？就是指绘画的书法性用笔，以书入画，所以真正的中国画是书与画密切融合的。中国画的以书入画，书画同源。其内涵大致包含二个方面：一是书法和绘画产生的根源相同，远古时期书画不分，古人在没有文字的情况下就通过象形画物，用来记事。文字绘画不分，完全就是实用主义。

　　二是书法和绘画在笔墨技法上的相通。

　　在黄宾虹先生的画学思想中，最重要的观点就是“书画同源”。他说：“画源书法，先学论书。笔力上纸，能透纸背，以此作画，必不肤浅”，“用笔之法，从书法而来”， “中国画法从书法来，无往不复，无垂不缩，妙有含蓄，不可发露无余”。从几千年的中国美术史来看，书法家一般都能绘画，一个出色的画家必须首先是一个好的书法家，因为绘画的笔法就来自书法的用笔方法。中国画的用笔之法包括起笔、运笔、收笔三个部分，起笔和收笔讲究逆入藏锋、自然含蓄，运笔要以中锋用笔为主，在行笔的过程中要有力度。（也就是古人讲的折叉股、屋漏痕、锥画沙、印印泥）讲究一波三折，追求的是 “力透纸背”、“骨法用笔”、“力能扛鼎”，一种柔中带刚的味道，仿佛如一条出洞的灵蛇，有好像一根千年的老藤，充满了一种蓄势待发的爆发力和张力。用墨则讲究浓淡干湿宿焦积等墨法，以多种变化的墨法形成墨色的丰富的变化，从而来表现大自然的万千气象。

　　前些天，嘉德拍卖黄宾虹先生的一幅画《黄山汤口》3.45亿元，创造了黄宾虹先生绘画的在艺术品市场的新高。为什么啊？老人画的真实好啊，物有所值啊。李可染先生曾经回忆他的老师——黄宾虹老人，说，“黄老作画，笔在纸上摩擦有声，远听如闻刮须，我戏问黄师，他说行笔最忌轻浮顺划，笔重遇到纸的阻力则沙沙作响，古已有之，所以唐人有句诗‘笔落春蚕食叶声’。黄老师笔力雄强，笔重是‘如高山坠石’，笔墨功力达到了很高的境界。”就是对黄宾虹绘画用笔之法非常精妙和高超的一个非常形象的说明。黄宾虹先生的绘画，尤其是到了晚年，老人的用笔，正是凭借着他自己深厚的金石学术背景，用饱含着金石书趣的笔法，一笔一笔的“写”出来又古拙又沉涩又劲健又老辣的书法性的线条，通过笔线之间虚和实，疏和密，奇和正，疾和涩，灵动和厚重的安排，对比，铺陈，来营造来构筑一派“浑厚华滋，黑密厚重”山水世界，让人越看内容越丰富，越看越有味道，越看越有意思。

　　五、中国画，必须是中国精神的大写意。

　　民族性是中国画的灵魂，有灵魂的中国画充满着大写意的中国精神，更有“精、气、神”。

　　我们前面也讲过，中国画和西洋绘画的造型观念与方法截然不同，西洋绘画把造型观念作为它最为核心的观念，它的艺术表现方法和表现的手段讲究的是色彩、明暗和透视。而中国画，特别是文人画则是把笔墨情趣和意境的传达视为绘画的精髓，它注重的是画家主观的意象表达，它的艺术的创造性是在笔墨创作的过程中获得心灵表达的自由。

　　石涛说， “一画者，众有之本，万象之根”，又说“夫画者，从于心者”。什么意思呢？意思是说绘画的“一画”，如同中国道家所说的“无极”“太极”“太一”，老子说“道生一，一生二，二生三，三生万物”，代表了宇宙万物万象的本根。“一画之法”可以概括大千世界，即使千千万万笔墨，也没有不从此开始并从此结束的，全靠人们对它的掌握和应用，它从画家的内心而生，是一个画家心性的流露，是画家自己的学识修养、笔墨精神，以及他对名山大川的感悟，甚至他所处的社会环境、时代审美和他的人生经历等等，所有的这一切尽在一画之中。

　　宋代有一位禅宗高僧曾经说道，“看山是山，看山不是山，看山还是山”。啥意思？刚刚参禅的时候，看山是山，看水是水。过了一段时间之后，心中稍稍有些悟了，怎么就看山不是山看水不是水了。再过上一段时间等到真正的悟了的时侯，再看山中的一切，山还是山，水还是水。什么意思呢，禅家认为，山水是一种自在，要用心看，那么我心自得。同样，真正的画家也只是运用笔墨借助山水之形来参悟宇宙大道从而寄托自己的心志而已，以心使笔，随心下笔，所以画家笔下的山水绝非就是那个最初入眼的景色，而是心中的丘壑，经过主观的“过滤”之后“优选”出来的景色，而正是唯有这样的“山水”才有逸气有神气有境界有气象。这就是我们的中国画，具有强烈的民族性的中国画。

　　多年以来，我一直致力于黄宾虹艺术的研究，所以我非常清楚地明白，黄宾虹老人对于中国画的民族性的坚守，它贯穿于老人的一生，他是那么地执着于中国画在未来世界中必定发扬光大的自信和自豪，坚定地认为中国画必须是中国精神的大写意，必须要保持自己的独立性，民族性是我们中国画的灵魂，有灵魂的中国画更富有精气神。文化没有边界，绘画没有国界；首先是民族的，然后才是世界的。中国画就必须是中国精神的大写意，有中华民族传统文化的儒风禅心和道骨，有龙的传人的精气神；就是要有笔墨美，笔情墨韵，笔歌墨舞，笔酣墨畅，表现出一个画家的人生气象、人生境界、人生格调、人生品位，体现出画面的意境、气韵、风格、个性，表达出这一中国特有的艺术形式所蕴含着的东方哲学玄妙的文化意味和生命况味。惟其如此，方能矫然特立于世界艺术之林而大放异彩。